Rossana Orlandi und ihre unverzichtbare Galerie in Mailand
Rossana Orlandi ist eine unangefochtene Autorität auf der weltweiten Designszene. Zu Beginn der 2000er Jahre gründete sie die Rossana Orlandi Galerie in Mailand, die innerhalb von nur zwei Jahrzehnten zu einem Muss während der Mailänder Designwoche wurde und Zehntausende von Menschen anzieht. Ihr angeborenes Talent für signiertes Design führte dazu, dass sie 2022 für ihre Karriere einen Compasso d'Oro gewann – eine mehr als verdiente Anerkennung. Heute betreut sie neben ihrer Galerie weltweite Designprojekte und berät öffentliche sowie private Einrichtungen.
Rossana Orlandi: Unser Interview
Ciao Rossana! Wir freuen uns riesig, dich hier zu haben
Wie bist du zum Design gekommen? Wie kam es zur Rossana Orlandi Galerie?
Viele Jahre lang war ich in der Modebranche tätig und arbeitete im Familienbetrieb mit, der Stoffe für Bekleidung und Möbel produzierte. Als ich mich von der Mode verabschiedete, fühlte ich mich stark zum Design hingezogen, wusste aber anfangs nicht genau, welchen Weg ich einschlagen sollte.
Dann stolperte ich über diesen Platz, die ehemalige Prochownick Fabrik, zentral in Mailand in einer grünen Wohngegend gelegen; ein wunderschönes Gebäude mit einem beeindruckenden Hof, der auf einen Garten blickte und den Charme eines alten Schneidergeschäfts ausstrahlte. Der Innenraum war durch eine Abfolge von Räumen geprägt, die eine warme und gemütliche Atmosphäre ausstrahlten; eigentlich sollte es ein Wohnsitz für die gesamte Familie werden, aber das Projekt wurde nicht realisiert.
Der Raum stand nun zur Verfügung und letztendlich stellte er sich als besonders geeignet für seine ursprüngliche Bestimmung heraus. Tatsächlich fördert die Präsenz in diesem Raum den Wunsch, zu handeln, zu kommunizieren; alle Designer, die mit uns zusammenarbeiten, äußern, dass sie sich hier wie zu Hause fühlen, wenn sie das Gebäude betreten, und ich finde das sehr schön und es schafft vor allem die Voraussetzungen, um optimal zu arbeiten.
Wie begann die Sammlung der Rossana Orlandi Galerie?
In den ersten Jahren meiner Zeit in diesem Gebäude startete ich damit, Stücke, die mir zusagten, zu sammeln und zu überlegen, was ich damit anstellen sollte. Das erste bedeutsame Stück war der Prototyp der Spun-Lampe, designt von Sebastian Wrong im Jahr 2003. Der ursprüngliche Prototyp war faszinierend, hergestellt aus einem Material, das gewöhnlich in der Luftfahrtindustrie genutzt wird; heute wird die Lampe von Flos hergestellt.
2006 organisierte ich die erste Ausstellung während der Designwoche in Mailand, ein sofortiger internationaler Erfolg. Besonders in Erinnerung geblieben von dieser Ausgabe ist mir die Gestaltung des Hofes, mit einer Reihe von fuchsienfarbenen Lampen, entworfen von dem schwedischen Designstudio Front. Außerdem waren wir in jenen Jahren die ersten, die die Arbeiten von Formafantasma präsentierten, dem Designerduo, das mittlerweile internationale Bekanntheit erlangt hat; es war eine Serie von Schüsseln aus Biomaterial, dargeboten mit Brot und Mehl, um Fragen über das Konzept des Designs anzuregen.
Wie entscheiden Sie, welche Designer heutzutage mit der Galerie zusammenarbeiten dürfen?
Als ich damit begann, Designer für die Galerie auszusuchen, zog es mich oft in die Niederlande. Damals leitete Li Edelkoort, eine herausragende Persönlichkeit, die Design Academy in Eindhoven, und jede Reise dorthin war ein unvergleichliches Erlebnis.
Doch schon immer lag mein Fokus auf der jungen Generation; auch in der Modewelt suchte ich ständig nach neuen Talenten. Ich war unter anderem die Erste, die Studenten und Absolventen des Central Saint Martins College nach Italien holte. Um auf die Auswahlkriterien zurückzukommen: Ich neige dazu, junge Talente zu bevorzugen. Es ist wichtig, ihnen zu helfen und Möglichkeiten aufzuzeigen. Doch sie müssen auch etwas zu sagen haben und neue Wege gehen.
Was würden Sie jungen Talenten raten, die mit der Rossana Orlandi Galerie arbeiten möchten?
Mit Blick auf die junge Generation, die mir heute begegnet, rate ich zu mehr Bescheidenheit. Viele etablierte Designer, die im Bereich des Sammeldesigns arbeiten, müssen ihren Platz durch ununterbrochene Arbeit und Weiterbildung erobern. Gerade im Sammeldesign tragen viele Faktoren zum Wert eines Stücks bei, und man darf nicht nur die Herstellungszeit als Maßstab für seinen Wert anlegen.
Auch der Bekanntheitsgrad und die Geschichte eines Designers spielen eine Rolle. Bei der Kalkulation des Wertes der eigenen Arbeit muss also auch die Geschichte, die ein Designer mitbringt, berücksichtigt werden.
Was ist das leitmotiv der Galerie?
Neugier prägt die Seele der Galerie; ich öffne die Arme für alles Neue, solange es ästhetische Dinge sind, die einen Sinn ergeben und in einer Konversation miteinander stehen. Meine Wahl treffe ich, während ich Ausstellungen, Schulen und Universitäten besuche und selbstverständlich auch aus den Kreationen der Designer, die sich an die Galerie wenden.
Aber es gibt keine Lieblingsmaterialien oder -stile: Aus der Arbeit muss eine frische Idee hervorgehen, die ein Designkonzept ausdrückt. Oft werde ich nach den neuesten Trends gefragt: Meine Antwort bleibt, dass es keine gibt. Man könnte vielleicht sagen, dass der einzige Trend, den ich bemerkenswert finde, die Schönheit ist.
Wie sieht das Verhältnis zwischen sammelbarem Design und Nachhaltigkeit aus?
Zuerst denke ich, dass das Wort Nachhaltigkeit heute zu oft benutzt wird und überbeanspruchte Wörter verlieren ein wenig ihre Bedeutung. Ich spreche lieber von Verantwortung: ein noch umfassenderer Begriff, der Bewusstsein für eine Situation und entsprechendes – in der Tat „verantwortungsvolles“ – Handeln bedeutet. Ich bin überzeugt, dass wir alle heute beginnen müssen, uns der problematischen Klima- und Umweltkrise bewusst zu werden, die uns alle betrifft, und verantwortungsvoller handeln müssen, sowohl in freiwilligen als auch in spontanen Gesten.
Das Konzept der „verantwortungsvollen Verwendung“ erstreckt sich auch auf Kunststoffe, ein Material, das ungerechterweise beschuldigt wird, eine der Hauptursachen – wenn nicht die Ursache – für die enorme Umweltverschmutzung unserer Zeit zu sein. Aber Materialien schaden nicht; es ist die Art und Weise, wie sie verwendet werden, die schadet, und dies gilt auch für Kunststoff.
Deswegen hatten meine Tochter, Nicoletta Orlandi Brugnoni, und ich die Idee, mit Kunststoff zu arbeiten, um seine Wiederverwendung und Recycling zu fördern, gerade als Kunststoff verteufelt wurde. Wir kamen auf den Guiltless Plastic Award, der 2018 ins Leben gerufen wurde, und es war eine weitsichtige Idee. Heute gibt es zahlreiche Produkte aus recyceltem Kunststoff, und die Vorstellung von „gutem“ Kunststoff gewinnt immer mehr an Beliebtheit. Zudem führt die Auseinandersetzung mit dem Kunststoffrecycling zum Nachdenken über Herstellungsprozesse, ein heute entscheidendes Thema.
Angesichts der zunehmenden Digitalisierung, die auch Kunst und Design betrifft, trägt die Technologie Ihrer Meinung nach dazu bei, das Galerieerlebnis zu verbessern? Wie sehen Sie die Zukunft physischer Galerieräume und ihre Bedeutung in der Kunstwelt?
Die Technologie kann auf viele Arten sehr hilfreich sein. Doch die Zukunft des Sammelns sehe ich im Physischen, „Materiellen“. Ein Designstück muss aus der Nähe betrachtet und berührt werden; die taktile und materielle Oberfläche, die Farbe, der Klang und manchmal sogar der Duft können nicht ersetzt werden. Zudem kann ein Werk online einen Eindruck hinterlassen und im realen Leben anders sein. Das ist unbestreitbar und macht den physischen Kontakt notwendig.
Digitale Technologie kann jedoch bei der Arbeit helfen, beispielsweise indem sie Entfernungen eliminiert. Während der Covid-Notlage 2020 haben wir die Einrichtung einer dreistöckigen Villa in Doha, Katar, ausschließlich aus der Ferne abgeschlossen.
Und dann gibt es natürlich das Metaversum, in dem wir präsent waren und wieder präsent sein werden, obwohl wir derzeit keine Arbeiten im Metaversum haben. Aber dies ist der einzige Ort, an dem man ohne physische Präsenz auskommen kann.
Was betrachten Sie als die erfolgreichsten Ziele, die Sie in Ihrer Karriere erreicht haben? Und welche Ziele möchten Sie noch erreichen?
Einen Compasso d'Oro für meine Karriere zu gewinnen, ist eine herausragende Leistung, und ich sehe, dass sie viel Bewunderung bei meinem Publikum hervorruft. Aber ich genieße es auch, eine Mentorrolle für Projekte mit jungen Designern zu spielen. Ich arbeite unter anderem derzeit an Projekten in Katar und Bulgarien; in beiden Fällen bin ich Beraterin, um Projekte mit jungen Designern zu entwickeln. Und ich hoffe, dass noch mehr solcher Projekte kommen werden; sie sind am inspirierendsten.
Wie sehen Sie die Zukunft des sammelbaren Designs?
Ich sehe sie immer internationaler und immer mehr erweitert auf aufstrebende Länder. Diese jüngsten Arbeiten in Katar und Bulgarien haben einen neuen Blick auf sich stark entwickelnde Welten eröffnet. Welten, die viel im Design, einschließlich des sammelbaren Designs, zu sagen haben.
Und schließlich, welche ist Ihre Lieblingsstadt? Und was sind die absoluten Must-sees dort?
Meine Lieblingsstadt ist Mailand; ich sehe sie sehr verändert, und sie gefällt mir sehr. Nicht nur wegen der Mailänder Designwoche, die auch in diesem Jahr wieder bestätigt hat, dass Mailand nach wie vor die internationale Hauptstadt des Designs ist, sondern gerade wegen des internationalen Geistes, der nun das ganze Jahr über in ihr herrscht.
Denen, die Mailand besuchen und es nicht kennen, empfehle ich den Palazzo della Triennale, das ADI Design Museum, die Fondazione Prada, und natürlich die Rossana Orlandi Galerie.
Danke, Rossana; es war sehr angenehm, mit Ihnen zu plaudern!
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Last Updated on März 17, 2024 by Editorial Team
